Rococò

La storia dell'arte: dal tardo Gotico al Barocco.

L'arte nella prima metà del '700

Rococò è usato per indicare l’arte che si sviluppa in Europa nella prima metà del Settecento. Tra Barocco e Rococò vi sono molti aspetti omogenei, soprattutto per l’identico atteggiamento di privilegiare una decorazione eccessiva e ridondante, ma vi sono anche delle notevoli differenze.
In realtà i tempi sono diversi e il XVIII sec. si presenta con caratteri molto diversi dal secolo precedente, e ciò riflette diversità anche nell’arte. Il XVII sec. è stato il periodo d'incubazione del mondo moderno: Galilei, Newton, Leibnitz hanno gettato le basi per il moderno pensiero scientifico, ma ciò avvenne anche con grandi conflitti, perché, come sempre avviene, ogni rivoluzione incontra sempre una tendenza reazionaria.
In questo caso fu soprattutto la Chiesa cattolica, mai così potente come ora, a imporre un clima di censura contro le novità di un progresso non accettato. Tuttavia, i tempi erano decisamente diversi, e la Chiesa, anche per questa sua incapacità di adattarsi al progresso, non solo in campo scientifico ma anche sociale ed economico, conobbe un progressivo declino. La grande differenza che passa tra XVII e XVIII sec. è proprio nel diverso peso che ebbe la Chiesa, e la religione nel suo complesso, sulla vita e sul pensiero del tempo. In pratica, il Settecento è decisamente un secolo più laico rispetto al precedente. Anche l’arte si appresta, in quanto interprete dei tempi, a diventare più laica.
Le trasformazioni del XVIII sec. non riguardarono solo la chiesa. Si produsse, in campo sociale, un’altra importantissima trasformazione: il declino sempre più evidente dell’aristocrazia, a favore di nuove classi sociali emergenti (in particolare la grande borghesia) che acquisteranno sempre più il ruolo di egemonia politica. Anche qui la trasformazione non ebbe luogo per caso: i nuovi orizzonti aperti a Occidente, con la scoperta dell’America, e a Oriente, con la conquista dei territori e dei mercati asiatici, produssero una rivoluzione straordinaria in campo economico. I beni di produzione che distinguevano la ricchezza non erano più la proprietà terriera, monopolio delle classi aristocratiche, ma i commerci e le industrie, per le quali era richiesto ben altro spirito di iniziativa e di avventura, che l’aristocrazia non possedeva. Così sia il clero sia la nobiltà, che avevano retto le sorti dell’Europa fino ad allora, cominciarono a declinare, fino alla definitiva crisi aperta dalla Rivoluzione Francese alla fine del secolo. Tuttavia il percorso fu diverso: per quasi tutto il XVIII sec. l’aristocrazia mantenne, seppure in posizione di declino, la sua posizione di monopolio sociale. Infatti l’arte del XVIII sec., soprattutto nella prima metà del secolo, fu laica, mondana e aristocratica. Così fu anche lo stile rococò: laico, mondano e aristocratico.
Niente più atmosfere cupe e angosciose, ancora memore di reminescenze caravaggesche, ma colori vivaci, scene chiare, immagini di gioiosa allegria e vitalità. Rispetto al Barocco, la base estetica rimase la stessa: l’arte è solo e soprattutto decorazione, che si aggiunge per abbellire. Anche nei confronti del periodo rococò si è spesso prodotto lo stesso giudizio negativo, a volte anche peggio, che molta critica ha condiviso nei confronti del Barocco. È tuttavia da rimarcare un carattere di grande novità: in questo periodo si produsse per la prima volta un’arte totalmente laica. Con ciò gli artisti ebbero la possibilità di svincolarsi da monopoli più o meno diretti legati alla Chiesa e di aprirsi a nuovi strati sociali e a nuovi committenti che favorirono il diffondersi dell’arte in più ampi settori della società.

La pittura rococò

La pittura del periodo rococò ebbe caratteristiche stilistiche ben precise.
Innanzitutto l’uso dei motivi che avevano fatto la fortuna del Barocco: linee curve, serpentine, spirali e così via.
Altra caratteristica fu soprattutto il ricorso a colori chiari su tonalità pastello: rosa e celeste sono sempre presenti.
Ciò che più caratterizza la pittura rococò è, per la prima volta, l’uso dell’«attimo fuggente». Quando un pittore fa un quadro rappresenta una sola immagine. Se questa immagine deve sintetizzare una storia deve scegliere quella più appropriata al significato che si attribuisce a quella storia. In questo caso la singola scena, che il pittore sceglie di rappresentare, è chiamata «momento pregnante». Quando l’immagine non racconta una storia, cioè vuole rappresentare un’emozione, quell’attimo che il pittore rappresenta è un «attimo fuggente». Quindi i «momenti pregnanti» sono attimi significativi di una storia, gli «attimi fuggenti» sono istanti in cui si provano sensazioni o emozioni. Queste sensazioni o emozioni sono quelle in genere prodotte dall’essere in un luogo e in uno spazio specifico: guardare un chiaro di luna in riva a un lago, essere nell’ombra di un accogliente boschetto in piacevole conversazione e così via.
In genere queste sensazioni sono sempre di tipo mondano: sono le sensazioni che vivono chi fa la dolce vita degli aristocratici. Feste, balletti, concerti, spettacoli, pranzi all’aperto, battute di caccia o momenti di corteggiamento, sono i soggetti che più frequentemente si trovano nei quadri rococò.
Il pittore che inaugurò questo genere di soggetti fu il francese Jean-Antoine Watteau, così come, dopo di lui, i maggiori interpreti della pittura rococò furono soprattutto due pittori francesi: François Boucher e Jean-Honoré Fragonard. In effetti in campo artistico le novità maggiori arrivarono soprattutto dalla Francia, nazione che si appresta, agli inizi del Settecento, a assumere il ruolo di baricentro artistico europeo, ruolo che di fatto ha conservato fino alla metà del Novecento.
Altra notevole componente della pittura rococò fu la comparsa di quella categoria estetica che definiamo «pittoresco». Con questo termine si intendono quelle immagini gradevoli che nascono spontaneamente dalla natura e con caratteri irregolari. In pratica la differenza tra «bello» e «pittoresco» afferisce alla differenza che c’è tra «artificiale» e «naturale». In campo artistico l’attributo di «bello» è sinonimo di regolarità, una caratteristica che appartiene solo alle cose prodotte dall’uomo. In natura non esistono forme geometricamente regolari: non esistono linee rette, angoli retti, cerchi, quadrati, simmetrie e così via. Tuttavia la natura produce cose belle a vedersi: un vecchio ulivo, tutto contorto e irregolare, non è sgradevole da guardare. In sostanza il termine «pittoresco» significa irregolare e naturale, mentre, in opposizione, il termine «bello» significa regolare e artificiale.
Come corollario si ebbe che la categoria del pittoresco è usata ogni qual volta si fugge dai contesti umani per riscoprire la natura vergine e incontaminata. Il «paesaggio pittoresco» ha anche questo di bello: che non è stato in alcun modo guastato dalla presenza umana. Nella pittura di paesaggio è quasi automatico adeguarsi alla categoria estetica del pittoresco. Quest'ultimo nasce proprio quando nasce il genere del paesaggio, agli inizi del Seicento.
La novità della pittura rococò, è che quasi tutte le scene rappresentate hanno come sfondo un paesaggio di tipo pittoresco. In pratica è come se la cornice ideale per qualsiasi cosa di piacevole si possa fare è sempre la natura in forme spontanee. È un contatto in cui la polarità artificiale-naturale si presenta in modo evidente e con cariche simbolico-poetiche precise. Questo perché nei paesaggi pittoreschi della pittura rococò compare sempre la «rovina» di qualche edificio antico: una statua, un pezzo di colonna o un frammento architettonico. Si può dire che da questo momento pittoresco e rovine diventano ingredienti inseparabili, che poi ritroveremo anche nell’arte romantica dell’Ottocento. In pratica, il frammento antico esercita sempre una carica di fascino notevole, perché è una testimonianza, fortunosamente giunta fino a noi, di una passata grandezza. Anche se non possiamo vedere l’opera completa, quel frammento rimasto ce la fa immaginare e avvertiamo nel frammento il senso del tempo.
Perché solo il tempo, con la sua inesorabile usura che produce sulle cose, riduce il tutto a un frammento. Dietro il tempo v'è proprio la natura, che dal tempo non deve temere alcuna usura. Per questo le rovine e la natura, accostandosi, finiscono per esaltarsi a vicenda. Da un lato vi è l’eternità, dall’altro la transitorietà di tutto ciò che è umano.

Il vedutismo

Non tutta la pittura del Settecento si sviluppò su soggetti mondani e aristocratici. Un’altra grande produzione del tempo fu la pittura di tipo vedutistico. Con questo termine, da preferirsi a quello di paesaggio, s'intende una produzione pittorica che comprende sia il paesaggio naturale, sia quello artificiale, fatto di città e di grandi opere umane sul territorio. Nel corso del Settecento si ebbe uno sviluppo notevole dei viaggi: una delle mete preferite dai viaggiatori europei fu soprattutto l’Italia.
A viaggiare erano soprattutto nobili e intellettuali, arrivati in Italia per la grande quantità di tesori artistici e bellezze naturali. Il viaggio in Italia, per visitare Venezia, Firenze, Roma, Napoli, la Sicilia, era chiamato il «Grand Tour». E questo inedito sviluppo del turismo, unito a un rinnovato interesse per la storia e la geografia in genere, fece sviluppare notevolmente il mercato di opere d’arte che rappresentavano le bellezze, naturali o storiche, di un luogo.
In questa vastissima produzione, spesso di qualità non eccelsa, emersero diversi artisti di notevole valore. Famosa nel Settecento fu soprattutto la scuola veneziana di vedutisti. Tra di essi ricordiamo Giovanni Antonio Canal, più noto con il nome di Canaletto, Bernardo Bellotto e Francesco Guardi. A Roma, nella prima metà del Settecento, fu attivo soprattutto Giovanni Paolo Panini che al vedutismo cittadino unì anche la rappresentazione di rovine, dando un contributo notevole alla diffusione di questo genere per tutto il Settecento e oltre.
Numerosi furono anche i pittori stranieri che, giunti in Italia, diventarono famosi vedutisti, come il tedesco Philipp Hackert, attivo presso la corte dei Borbone a Napoli, o l’olandese Gaspard Van Wittel, attivo prima a Roma e poi in numerose città italiane, padre dell’architetto Luigi Vanvitelli, autore, tra l’altro, della famosissima Reggia di Caserta. In genere, ciò che contraddistingue questa produzione pittorica, è soprattutto la grande vastità degli orizzonti. Tutte le immagini appaiono nitide e consentono allo sguardo di aprirsi a grandi spazi. È presentato lo spettacolo che il mondo ci offre, senza alcuna esasperazione di natura emozionale. Ovviamente questa pittura necessita di una grande padronanza della prospettiva, soprattutto quando a essere rappresentati sono edifici, spazi urbani o città nel loro insieme. In particolare, questa notevole capacità di usare la prospettiva, è usata per creare vedute immaginarie, chiamate «fantasie architettoniche». In queste vedute a volte compaiono edifici immaginari, a volte sono assemblati più edifici esistenti, uniti in una veduta unica, impossibile nella realtà. Tra i pittori che uniscono la fantasia architettonica con grandi rovine immaginarie del passato vi è in particolare il francese Hubert Robert, l’ultimo grande rappresentante di questo genere alla fine del Settecento.

Sitografia
Vai a questa pagina per conoscere la fonte dell'argomento: sitografia di Visibilmente




Rococò:


Storia dell'arte:


Cronologia:



Segnalato da:

» Vedi tutti siti «
I siti dove Visibilmente è segnalato:






| Info | Copy | Contatti | F.A.Q. | Statistiche | Motore di ricerca interno | Mappa | TOP100 | Directory |
dal 2004 Visibilmente.com powered by Paolo Orlandini - Tutti i diritti sono riservati - è vietata la riproduzione totale e parziale.